10 Artis Kontemporari Jepun Untuk Tahu
Adegan seni kontemporari Jepun sangat pelbagai, tempat para seniman perintis yang telah mengubah landskap industri pada skala global. Dari pergerakan Superflat Takashi Murakami ke alam semesta polka Yayoi Kusama, untuk pendekatan kolaboratif dan pencapaian media visual dan penggunaan teknologi futuristik dalam amalan seni, kita memaparkan sepuluh seniman kontemporari Jepun yang mesti tahu.
Chiho Aoshima
Seorang ahli syarikat pengeluaran seni Kaikai Kiki dan gerakan Superflat (kedua-duanya diasaskan oleh artis Jepun legendaris Takashi Murakami), Chiho Aoshima terkenal dengan makhluk pop bumi dan landskapnya yang fantastik. Sebuah autodidact yang mula bekerja dengan seni grafik di kilang Murakami, Aoshima mencipta mimpi buruk yang nyata didiami oleh hantu, iblis, wanita muda, dan unsur alam. Karya seninya biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas dengan bahan seperti kulit dan plastik, untuk tekstur. Dalam 2006, Aoshima dihasilkan City Glow, Mountain Whisper (2006) di stesen Gloucester Road di London sebagai sebahagian daripada Art on the Underground, di mana lengkungan platform 17 berturut-turut mewujudkan landskap ajaib yang beransur-ansur berubah dari siang ke malam, bandar ke luar bandar. Kerja ini menggambarkan dunia utopian Aoshima di mana masa digantung dan makhluk organik adalah satu dengan perkara-perkara yang tidak bernyawa.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota adalah artis prestasi dan pemasangan yang mencipta pemasangan visual berskala besar dan khusus. Pusat kepada amalannya adalah tema ingatan dan kelalaian, mimpi dan realiti, masa lalu dan sekarang, dan konfrontasi kebimbangan. Karya-karya beliau yang paling terkenal adalah jaring kain hitam yang tidak dapat ditembusi yang menyertakan pelbagai jenis rumah, peribadi, dan setiap hari, seperti kerusi lama, piano terbakar, pakaian perkahwinan, dan kadang-kadang artis itu sendiri. Labyrinth of Memory (2012) terdiri daripada satu siri pakaian yang diliputi oleh benang hitam di mana-mana dalam banyak karya beliau. Pakaian ini dianggap sebagai "kulit kedua", kedua-duanya membentuk dan mengekatkan badan. The omnipresence benang hitam bertujuan untuk menggambarkan dan menguatkuasakan hubungan yang tepat ini. Pada musim panas 2014, Shiota dipasang Perspektif (2004), dibuat dengan lebih daripada 300 kasut yang didermakan dengan nota-nota tulisan tangan dari setiap penderma, menyampaikan satu ingatan peribadi. Shiota kemudian menyambung kasut dengan rentetan benang merah, masing-masing digantung dari cangkuk yang sama. Shiota mewakili Jepun di 56th Venice Biennale di 2015 dan pameran pertamanya di Blain Southern, Berlin yang dibuka semasa Berlin Art Week di 2016 menyebabkan sensasi.
Ei Arakawa
Ei Arakawa diilhamkan oleh keadaan perubahan, tempoh ketidakstabilan, kemalangan gembira, dan unsur-unsur risiko. Kepingan dan pemasangan prestasi beliau melibatkan tema-tema kolektiviti, persahabatan, simultaneity, dan penambahbaikan. Kerja Arakawa hampir selalu kolaboratif, dan terlibat dengan unsur seni tontonan sosial - dari produksi hingga kehancuran. Kepekaan seninya dimaklumkan oleh prestasi, tidak pasti, 'keadaan di mana-mana-tetapi-tidak ada'. Kerja-Nya muncul di tempat-tempat yang tidak dijangka di peringkat antarabangsa, didarabkan melalui proses kerjasama. Di 2013, karyanya dipamerkan di 'Kamikaze Loggia' (Venice Pavilion) di Venice Biennale, dan dalam kaji selidik seni kontemporari Jepun berjudul Roppongi Crossing di Muzium Seni Mori. Pemasangannya Kehadiran Hawaii (2014) adalah projek kerjasama dengan artis berpangkalan di New York, Carissa Rodriguez untuk 2014 Whitney Biennial. Di Frieze London di 2014, Arakawa dan abangnya, Tomoo - bekerja sebagai duo di bawah nama 'United Brothers' - membentangkan satu kerja prestasi yang berhak Adakah ini Rasa Sup Suplemen? di mana pasangan itu menawarkan sup kepada pelawat, terkenal dengan akar daikon 'radioaktif' Fukushima.
Koki Tanaka
Konsep Tahun 2015 'Deutsche Bank, pendekatan visual Koki Tanaka meneroka komuniti dan pengalaman bersama kreativiti dan imaginasi, menggalakkan pertukaran di kalangan peserta sambil menganjurkan peraturan baru kerjasama. Pemasangannya di 2013 Venice Biennale's Japan Pavilion terdiri daripada video dengan objek yang mengubah Pavilion menjadi platform untuk perkongsian artistik. Video dan pemasangan Tanaka meneroka hubungan antara objek dan tindakan, rakaman gerak isyarat yang dilakukan dengan barang-barang setiap hari seperti pisau memotong sayur, bir dicurahkan ke dalam gelas, dan pembukaan payung. Tidak ada magnitud yang berlaku dalam video ini, namun pengulangan yang kompulsif dan perhatian kepada detail kecil memaksa penonton untuk menghargai duniawi.
Mariko Mori
Mariko Mori mencipta karya multimedia dalam video, fotografi, media baru, dan seni pemasangan. Dia mengungkapkan visi minimalis, futuristik melalui bentuk yang anggun dan nyata. Tema berulang dalam karya Mori adalah penyambungan mitologi Timur dengan budaya Barat, seperti yang dilihat dalam gambarnya yang berlapis-lapis. Mori menjadi terkenal UFO gelombang, yang bermula pada Kunsthaus Bregenz, Austria di 2003. Seterusnya, perjalanan ini pergi ke New York dan kemudian dimasukkan ke dalam 2005 Venice Biennale. Di 2010, Mori mengasaskan Yayasan Faou, sebuah organisasi bukan keuntungan pendidikan dan kebudayaan di mana dia mendedikasikan satu siri pemasangan seni tetap yang harmoni, khusus untuk menghormati enam benua yang dapat dihuni. Baru-baru ini, pemasangan Faou Foundation tetap bertajuk Ring: Satu dengan Alam telah dipasang di atas air terjun yang indah di Visconde Mauá di Resende, tidak jauh dari Rio de Janerio.
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda adalah media baru dan artis yang kuat yang kerjanya terutama melibatkan bunyi dalam pelbagai 'mentah' keadaan - dari nada sine kepada bunyi bising - menggunakan frekuensi di pinggir pendengaran manusia. Persembahannya dan pemasangan yang mendalam merangkumi bunyi buatan komputer yang mengubah secara visual menjadi unjuran video, atau corak digital. Kerja audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, naungan, kelantangan, bayangan, bunyi elektronik, dan irama untuk membanjiri pancaindera. Ikeda terkenal Corak ujian [no.5] terdiri daripada lima projektor yang menerangi ruang lantai beberapa meter panjang 28 dan lebar lapan meter. Pemasangan menukarkan data (teks, bunyi, foto, dan filem) ke dalam kod bar dan pola perduaan sifar dan yang lain. Oeuvre Ikeda juga termasuk pertunjukan satu malam, seperti datamatics [ver.2.0], versi konsert audiovisual yang dikemaskini di beberapa tempat di seluruh dunia sejak 2006, bermula dari Zero1, San Jose, California, untuk ISEA 2006. Ikeda memeriksa dan menggunakan kaedah matematik dan saintifik untuk membentuk muzik, masa dan ruang, mencipta pengalaman yang memukau. Dia meneroka bunyi dan penglihatan, mendekonstruksi sifat fizikal mereka untuk mendedahkan hubungan kompleks yang terlibat dalam persepsi manusia. Akhirnya, Ikeda menguji potensi teknologi digital yang melampau, mencabar ambang persepsi.
Takashi Murakami
Takashi Murakami adalah salah seorang artis kontemporari yang paling ikonik di Jepun. Dari lukisan hingga arca berskala besar dan kerjasama fesyen, kerja Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Pengasas pergerakan Superflat dan artis Kaikai Kiki kolektif, Murakami telah mengembangkan dan menyokong karier ramai sezamannya. Istilah 'superflat' menggambarkan kedua-dua ciri estetika tradisi seni Jepang, dan sifat budaya Jepun dan masyarakat selepas perang. Tradisi meninggalkan warisan flat, imej dua dimensi, dengan penekanan pada pesawat warna yang rata, yang telah dikemukakan semula dalam budaya kontemporari melalui manga dan anime. Selepas perang Jepun juga mengalami 'perut' perbezaan dalam kelas sosial dan rasa popular. Amalan Murakami sendiri melibatkan unsur-unsur pembungkusan semula yang biasanya dianggap 'rendah' atau sub budaya dan membentangkannya dalam pasaran seni dan seni yang 'tinggi'. Provokatifnya My Koboi Lonesome (1998) yang dijual di New York Sotheby untuk rekod $ 15.2 juta dalam 2008. Selain karya seninya, Murakami telah bekerjasama dengan Marc Jacobs, Louis Vuitton, dan Issey Miyake.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima adalah seorang pengukir dan artis pemasangan yang kerja-kerja teknologi tinggi menggunakan bahan kontemporari seperti litar elektrik, video, dan komputer, yang berpusat pada penggunaan alat sejak 1980s. Konsep seni teras Miyajima menarik inspirasi dari idea-idea humanis dan ajaran Buddha. Kaunter-kaunter LED di pepasangannya terus berkelip dalam pengulangan dari 1 ke 9, melambangkan perjalanan dari kehidupan hingga mati, tetapi menghindari kesudahan, yang diwakili oleh 0 dan tidak pernah muncul dalam karyanya. Numerik yang pernah ada sekarang, yang dibentangkan dalam grid, menara, dan litar menyatakan minatnya terhadap idea-idea kesinambungan, sambungan, kekekalan, dan aliran masa dan ruang. Baru-baru ini, karya Miyajima bertajuk Arrow of Time (Kehidupan Belum Selesai) telah dipamerkan dalam pameran sulung Met Breuer, Belum selesai: Pemikiran Kiri Terlihat di New York City.
Yayoi Kusama
Dengan kerjaya mengejutkan yang merangkumi tujuh dekad, Yayoi Kusama telah meneroka alam lukisan, lukisan, kolaj, patung, prestasi, filem, seni cetak, pemasangan dan seni persekitaran, serta kesusasteraan, fesyen, dan reka bentuk produk. Kusama telah membangunkan gaya polka bertitik polka yang sangat unik, yang telah menjadi tanda dagangannya. Visi ilusi seperti itu, untuk Kusama, produk halusinasi yang dia alami sejak zaman kanak-kanak, di mana dunia seolah-olah diliputi dalam bentuk berkembang biak. Kusama telah merangkumi seluruh bilik dengan titik-titik yang berwarna-warni dan cermin 'infiniti' yang tanpa henti mencerminkan bentuk cahaya berwarna-warni.
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara mencipta lukisan, ukiran, dan lukisan yang menggambarkan tandatangan anak-anak dan anjing bermata yang luas - subjek yang cuba menangkap rasa kebosanan dan kekecewaan seperti kanak-kanak, dan menuntut kembali kemerdekaan yang semulajadi kepada anak-anak. Mengingatkan ilustrasi buku tradisional, estetika beliau memberikan ketegangan yang tidak dapat ditepi, yang sebahagiannya dipengaruhi oleh cinta Nara dari punk rock. Judul karya-karyanya adalah kesaksian ini, dari The Girl with the Knife in Her Side (1991) kepada Keganasan Senyap (1998), Neurotik kepada Bone (1999), dan Tidak ada apa-apa (2000). Di 2011, Muzium Persatuan Asia New York City mengadakan pameran solo utama pertamanya bertajuk Yoshitomo Nara: Tiada siapa yang bodoh, yang merangkumi kerja yang merangkumi karier 20 tahun artis. Kerja-kerja persembahan disambung rapat dengan perasaan subkultur belia di seluruh dunia, dengan tumpuan kepada tema-tema keterasingan dan pemberontakan, terutamanya berhubung dengan muzik rock dan punk.
